Le Musée des beaux-arts présente une exposition gratuite sur Napoléon 1er. Celle-ci est présentée dans le pavillon Jean-Noël Desmarais, qui est situé du côté sud de la rue Sherbrooke, contrairement à l'exposition gratuite Afrique sacrée #2 qui est présentée dans le pavillon situé en face, de l'autre côté de la rue. Nous devons l'exposition sur Napoléon à monsieur Ben Weider qui était plus connu, pour son entreprise de culturisme et de suppléments alimentaires, que pour son intérêt pour cet empereur qui a vécu entre 1769 et 1821. Il a eu l'amabilité de léguer sa collection napoléonienne, au Musée des beaux-arts, lorsqu'il est décédé non sans avoir été décoré préalablement en tant que Chevalier de la Légion d'honneur. De cette façon, sa collection sera profitable à la population en général, plutôt qu'à des collectionneurs étrangers.

Répartie dans plusieurs salles, on peut admirer le faste de cet empereur qui semblait pratiquer le culte de la personnalité. Sous son règne le sang a coulé à flots et les arts ont connus une période très productive car, il pratiquait le mécénat pour ceux qui appréciaient la symbolique du pouvoir. Des effets personnels ainsi que des objets en marbre, porcelaine, argenterie, or et peinture sont présentés en grande quantité. L'horlogerie, le mobilier et des médailles feront le plus grand plaisir des visiteurs. Ses expéditions militaires l'entraîneront dans de nombreux pays européens ainsi qu'en Égypte. Il connaîtra sa défaite principale à Waterloo, face aux Britanniques, et sera forçé d'abdiquer de son poste d'empereur des Français, avant d'être déporté sur l'île de Sainte-Hélène, au large des côtes africaines. Il dépérira à cet endroit où il décédera, probablement empoisonné par ses ennemis, mais ce sera aussi la naissance du mythe romantique se rattachant à sa personne.

Il y a beaucoup à voir dans cette exposition gratuite, qui laissera aux visiteurs l'impression de grandeur majestueuse de ce personnage historique, qui se faisait parfois accompagner par des scientifiques et qui a vu apparaître sous son règne le premier code civil, nommé Code Napoléon. Il sera toutefois contesté par plusieurs de ses concitoyens comme l'illustrent ces caricatures défavorables à son règne et à ses campagnes militaires. Un magnifique dépliant, illustré en couleur, est disponible gratuitement pour les visiteurs et il donne une foule d'informations biographiques sur le cheminement de Napoléon et sur les oeuvres d'art exposées. C'est vraiment un document à conserver et je ne peux m'empêcher de dire "un gros merci" posthume à Ben Weider pour cette collection exposée de façon permanente au Musée des beaux-arts de Montréal.

Encore une fois cette année, les Contes urbains ont livrés la marchandise. Durant plus de 3 heures avec l'entracte, les 7 contes au programme ont réussis à capter l'attention des spectateurs, qui étaient nombreux pour assister à cette soirée de première. Ces contes donneront vie à toutes sortes de personnages plus pittoresques les uns que les autres. Ils se situent dans le milieu artistique, le monde du travail ou encore en milieu familial. Les contes nous font passer de la tristesse, à l'amusement ou à l'embarras causé par des propos salés ou vulgaires, car on touche à tout, même à la religion.  Il y avait aussi un guitariste qui occupait le temps entre chacun des contes. Tous les contes présentaient un bon intérêt mais il y en a 2 qui, à mon avis, se sont démarqués parmi les autres.

-Queue de raconte-art, par Emmanuel Schwartz, en 1re partie.

-La soirée de la dinde, par Marie-Ève Perron, en 2e partie.

Pour ce qui est de Queue de raconte-art, un désoeuvré-grafitteur recevra une contravention de $2000 et la remboursera en s'offrant pour des recherches médicales qui provoqueront des effets secondaires si importants, qu'il aboutira dans une crèche de Noël, en tant que personnage. Tout simplement formidable, Emmanuel Schwartz donnera une réalité physique à ce personnage qui allait plus loin que les mots de son texte. Pour ce qui est de La soirée de la dinde, ce conte forme le clou de la soirée. Il faut voir l'apparence de Marie-Ève Perron, alors qu'elle se présente devant nous avec une robe et les bras couverts de restants de bûche de Noël séchée. Cette année, c'est elle qui prépare le souper du réveillon recevant sa famille. Après de multiples préparatifs, où rien n'est laissé au hasard, voilà qu'une équipe de télévision s'invite dans son appartement, pour faire sur elle, un reportage pour l'émission "De quoi t'as l'air". Puisqu'il s'agit d'un "conte urbain", tout tournera au désastre. Elle a tellement réussie à venir chercher le public, que celui-ci s'est mis à applaudir, à tout rompre, en plein milieu de son conte. Elle était d'une intensité remarquable pour cette soirée des Contes urbains. Les autres contes étaient aussi intéressants et j'ai bien aimé ma soirée.

J'ai assisté à la dernière représentation de Territoires féminins de la chorégraphe Marie-Claude Rodrigue. Dans ce one-woman show, elle traite de la culture amérindienne car en plus de quelques années passées avec O Vertigo, elle a aussi eu une arrière grand-mère abénaki. Il y a des aspects folkloriques ou anthropologiques dans ce spectacle que j'ai adoré. Il est stipulé au programme que cette chorégraphe subit des influences culturelles asiatiques (Yoga, Ying Yang, etc...). Le décor nous place immédiatement dans cet univers amérindien avec une tente formée de câbles et de branches, attachés en fuseau à partir du plafond, des masques rituels et cornes de cervidés et surtout par ces draps qui serviront d'écran de projection pour des images vidéos. Ce vidéo est accompagné de chants et de musique (flûte et tam-tam). Elle porte différents costumes tout au long du spectacle et parfois elle est même partiellement vêtue. Elle est apparue sur scène tardivement après le début de la projection qui semblait s'éterniser au départ mais, dès son arrivée, ces vidéos l'accompagnaient.

Dès l'arrivée des spectateurs, des images sont projetées sur ces draps et elles consistent au début en images typiques de la forêt laurentienne avec ses feuillus, ses cours d'eau, sa cabane en bois-rond et un feu de camp. Les saisons sont aussi représentées dans ce vidéo. Par la suite, elles se transforment pour inclure un personnage féminin, ou des enfants, dans différentes situations et c'est à ce moment que Marie-Claude Rodrigue apparait sur scène. Elle se retrouvera dans un bac de terre noire, en transe, et le quittera passablement salie. Ceci n'est qu'un court passage de ce spectacle qui durait 1¼ heure et qui faisait presque salle comble pour cette dernière représentation. Je regrette de ne pas avoir assisté plus tôt à ce spectacle car il valait vraiment le déplacement et n'a probablement pas reçu la publicité qu'il aurait mérité. L'éclairage était insuffisant par moment mais j'imagine que les images vidéos y sont probablement pour quelque chose. Durant presque toute la durée de ce spectacle, ces images, le son du tam-tam et les chants accompagnaient la danseuse. Je conserverai un bon souvenir de ce spectacle.

Ce spectacle de danse moderne donne l'occasion, aux 4 danseuses de la compagnie Mandala Sitù, de se frotter sur l'univers érotique du chorégraphe Dave St-Pierre. L'attention sera rapidement attirée par la "Lapinette" qui occupe le rôle principal dans ce spectacle. Vêtue seulement d'un bas-culotte, de souliers à talons hauts et d'un attirail de lapin (queue et oreilles), elle nous rappellera les bonnies du Playboy ou encore une version érotique d'Alice au pays des merveilles. Les étapes de la vie d'une femme (avant, pendant et après le mariage) dans un monde d'hypersexualisation, d'individualisme et de compétition, sont exposées et forment le fil conducteur de ce spectacle. Des milliers de balles de tennis, maintenues en place par des 2"X4", formeront une surface sur laquelle pourront rouler des planches. Lapinette est très active et démonstrative alors que les 3 autres danseuses adopteront, la plupart du temps, un regard inexpressif, sauf lors d'une compétition. Une certaine interaction, avec des spectateurs sélectionnés par Lapinette, aura aussi lieu.

Un des points forts de ce spectacle est présenté sous une forme d'exibitionnisme mécanique. Sous un éclairage rouge et devant une source lumineuse, trois danseuses complètement nues entrouvent lentement les cuisses, pour finir par faire le grand écart en exibant du même coup leurs vulves. Alors que cette image est agréable pour les yeux, une sonnette d'alarme (warning?) nous casse les oreilles avec ses décibels. La musique électro peut sembler agressante par moments mais ce spectacle était plus sage que le spectacle précédent de Dave St-Pierre (Un peu de tendresse, bordel de merde). Impossible pour ces 4 danseuses de compétitionner avec les 20 danseurs du spectacle précédent de ce chorégraphe. On retrouve un air de parenté entre ces 2 spectacles car les cris stridents sont aussi présents et la surface roulante formée par les balles de tennis peut rappeller la surface glissante du ballet aquatique formant la fin du spectacle «Un peu de tendresse, bordel de merde».

À la fin de «Warning», l'utilisation non sportive d'une arme à feu m'a déplu car cette image revient trop souvent lors des spectacles sur scène et aussi au cinéma. Il reste que j'ai toujours apprécié la nudité lors des spectacles et «Warning» m'en a mis plein la vue. C'était sûrement le spectacle le plus anatomique de tout ceux que j'avais vus jusqu'à maintenant. D'une durée dépassant 1¼ heure et devant une salle archi-comble, ce chorégraphe, que l'on ne pourra jamais accuser de "niaiser avec le puck", a maintenu sa réputation pour ce qui est de la provocation et de la nudité en spectacle. Les spectateurs accèdent à leurs sièges alors que les 4 danseuses sont déjà sur scène et débutent le spectacle très lentement.

Le R.M.S. Titanic était le fleuron de la White Star Line lors de son voyage inaugural le 10 Avril 1912. Monumental avec ses 882 pieds de longueur et ses 92 pieds de largeur, sa construction avait été décidé en 1907, lors d'un dîner mondain entre J. Bruce Ismay (président de la White Star Line) et James Perrie (propriétaire d'un chantier de construction navale, à Belfast). Le Titanic a été conçu par un jeune ingénieur, âgé de 36 ans, Thomas Andrew. Avec la sécurité en tête, il l'imaginait insubmersible avec les équipements les plus récents et les plus performants. Avec une double coque, des cloisons étanches, 3 hélices et 4 cheminées, le Titanic excitait l'imagination de ses 2228 passagers et sa construction, par 10000 ouvriers, n'a pris que 26 mois. De nombreuses photos d'époque agrandies, de façon à être affichées sur les murs, illustrent ce chantier irlandais ainsi que les personnages importants. Pour accompagner cette introduction, la salle est agrémentée de musique celtique.

La suite de cette exposition nous amène, à l'intérieur du Titanic, dans un corridor de la 1ère classe avec ses portes de cabines numérotées, son tapis, ses luminaires et aussi ses rampes qui devaient être utiles lorsque la mer était déchaînée. Dans cette 1ère classe, on sent que le luxe était offert aux passagers importants et de la musique classique agrémente cette section. Des images de grandes salles comme le fumoir ou le grand escalier sont affichées avec des artefacts récupérés du fond de l'océan tels que de l'argent, vaisselle, coutellerie, bijoux et documents personnels. Une cabine de 1ère classe, qui pouvait avoir plusieurs pièces, est exposée avec son lit double, le tapis mur-à-mur et son éclairage électrique.

La 2e classe est moins illustrée que la 1ère classe, mais il semble que sur le Titanic, tout étant plus luxueux, elle était très convenable. Le plancher est cependant couvert de carreaux de céramique au lieu des tapis.

Les cabines de la 3e classe étaient prévues pour accomoder 4 passagers avec ses 2 lits superposés, un espace plus restreint et un éclairage plus rudimentaire. Plus économique, le coût pour la 3e classe n'était que $43 au lieu des $4782 de la 1ère classe.

Pour ce qui est des membres de l'équipage, peu d'informations sont fournies sauf qu'ils pouvaient cohabiter dans des salles de 50 hommes, qui ne les mettaient pas en contact avec les passagers. Cette ségrégation, à l'intérieur du Titanic, était semblable à celle qui existait dans la société en général.

Le cheminement se poursuivant d'une pièce à une autre et d'un étage à l'autre, le visiteur découvrira la salle qui est la plus spectaculaire: celle de la chaufferie (boiler room). L'énergie nécessaire au chauffage, propulsion et l'électricité du Titanic était produite à partir de la combustion du charbon et de la production de vapeur. Avec un éclairage rouge, on imagine les dures conditions de travail de ces matelots qui seront les premiers à constater les dommages causés par la collision avec un iceberg. Des perforations de la coque, 300 pieds sous la ligne de flottaison, enverront le Titanic au fond de l'océan, 3810 mètres plus bas. Le résultat de l'inondation de 5 compartiments étanches sera de causer la perte de 1523 passagers, à environ 400 milles de côtes de Terre Neuve, seulement 2 jours après le départ inaugural du Titanic. Il n'y aura que 705 survivants seulement sur une mer calme.

L'exposition est intéressante et il y a suffisamment d'espace pour une grande quantité de visiteurs. Elle a lieu dans un centre commercial, le Centre Eaton, situé en plein centre-ville de Montréal. Cet endroit n'a rien d'artistique avec ses centaines de boutiques commerciales et c'est vraiment hors circuit si on le compare avec le réseau des musées et galeries de Montréal. On remet à chaque visiteur une "boarding pass" à l'entrée, ce qui permet de jumeler le visiteur avec un passager du paquebot, en 1912. Je m'appelais donc monsieur Claus Peter Hansen (barbier) et dommage pour moi car j'ai retrouvé mon personnage sur la liste des disparus à la fin de l'exposition. Le billet remis à l'entrée est aussi très joli avec son Titanic voguant sur l'océan comme fond du billet. C'est quand même très bien fait avec tous ces vêtements et pièces d'équipements qui attirent l'attention. Le service du vestiaire et un audio guide sont offert mais entraînent des frais supplémentaires, tout comme cette photo du visiteur devant le Titanic et cette fin de visite dans une petite librairie où tout est à vendre: tout cela laisse l'impression qu'ils veulent faire de l'argent de toutes les façons possibles.

«Après la fin» nous rappelle la grande peur des baby-boomers, au début des années 50 et 60, quand la possibilité d'un échange de missiles nucléaires, à grand coup de mégatonnes, faisait craindre à plusieurs de disparaître avec le reste de la ville, au milieu d'un monstrueux champignon nucléaire. À cette époque, qualifiée de guerre froide, la Protection Civile distribuait sur demande, des conseils pour survivre à la maison et plusieurs citoyens se sont construits des abris à l'épreuve des retombées radioactives. Ces 2 jeunes acteurs, qui sont trop jeunes pour avoir connus cette époque, se retrouveront enfermés dans un de ces abris,  suite à un acte de terrorisme nucléaire, qui est plus près de nos préoccupations actuelles, que de celles du Dr. Strangelove (Stanley Kubrick) au cinéma. La paranoïa, la claustrophobie et la promiscuité provoqueront une situation qui se dégradera rapidement à l'intérieur de l'abri en ce qui concerne les relations entre Mark et Louise. Il me semble surprenant que ces 2 personnages font peu de cas de leurs parents et amis dont ils ignorent le sort.  Il n'y a pas de traumatisme évident à ce sujet et le seul point qui semble les préoccuper est le rapport de force existant entre eux, donc peu d'empathie. Le langage utilisé par Mark et Louise est cru, alors que des jurons fusent presqu'à chaque 2 phrases ce qui me semblait excessif et répétitif.

Une mention plus qu'honorable revient aux décors et aussi au système d'éclairage qui les illuminent. C'est tout simplement formidable d'observer cet abri avec ces lits superposés, conduit de ventilation, table et échelons conduisant à la surface du sol. L'éclairage est utilisé de façon judicieuse pour créer des situations et même pour délimiter certaines scènes. Il n'y a aucune décoration car tout est prévu pour l'essentiel: survivre 2 semaines sous terre. Avec ses points forts et ses points faibles, «Après la fin» a été présenté devant une salle comble et même si j'ai préféré la scénographie,  plutôt que les textes,  cette soirée de spectacle nous réservait des surprises et des déceptions jusqu'à la fin. J'ai constaté que 10 minutes avant la fin, une chaise sur laquelle était assis l'acteur, obstruait la vue des spectateurs assis en 1re rangée, directement derrière lui. Pour ceux qui étaient assis plus loin ce problème ne se posait pas cependant. Un accident est survenu lors de la représentation du Vendredi soir. Après une 3e ronde d'applaudissements, Sophie Cadieux (Louise) a malencontreusement mis le pied sur une feuille de papier traînant sur la scène. Alors qu'elle quittait vers sa loge, elle a glissée subitement se retrouvant tête première dans le mur formant l'arrière de la scène, pour ensuite s'étaler de tout son long au sol, visiblement sonnée par cet impact. C'est son compagnon Maxim Gaudette (Mark) qui l'a aidé à quitter la scène péniblement: elle a sûrement vue des étoiles.